La música, una representación del pensamiento de la sociedad

Durante el ejercicio de buscar un movimiento social o práctica artísitca que pudiera sostener que la subjetividad surge en los años 70 y que ha convertido en motor fundamental del capitalismo neoliberal de la actualidad. Me pareció que la música sería un buen indicador y reflejo de lo que sentía y pensaba la sociedad en términos generales. Al fin y al cabo, la música es un medio artístico que podríamos denominar de gran alcance, los artistas pretenden llegar a cuanto más público mejor y adquirir música o sentirse, de algún modo, influenciado por el mensaje de un artista para el consumidor es relativamente fácil y barato. De este modo, se genera una especie de simbiosis entre los artistas queriendo encajar con su público y el público tratando de sentirse identificados con lo que escuchan.

Para el ejercicio pensé en algo que me mostrara de manera evidente el cambio de pensamiento sucedido en aquellos años, los 70. Mis investigaciones a base de blogs, noticias en periódicos, wikis, etc. no me ayudaban, era muy difícil detectar claras evidencias para poder desarrollar el escrito con éxito. Entonces recordé esos hipnóticos histogramas que se mueven durante el tiempo y muestran la evoluciones de algún factor durante el tiempo, se pueden encontrar muchos ejemplos por internet como por ejemplo: la población de los países, sagas de películas más conocidas, lenguajes de programación o inventos más populares, sí algo freak. Después de explorar varios, encontré el que se adaptaba perfectamente a mi búsqueda en concreto —> Most popular Music Styles 1910 – 2019 ( aquí abajo os lo dejo ) El vídeo se basa en los lanzamientos de discos, vinilos y/o CDs, alrededor del mundo según género musical y su fecha de lanzamiento.

Al observar el video se aprecia que a partir del 1970 la música disco irrumpe en la parte inferior de la imagen, la representación ordena de mayor a menor de arriba abajo, y en tan solo 4 años (1974) desbanca de la primera posición al Pop-rock habiendo pasado por delante del Soul, Country, Funk y todos los sub-géneros del Rock. Y esta hegemonía duró hasta el 1980 que el pop-rock recuperó su posición. El final de la música disco fue, directamente, suprimida por el poder “invisible” de una sociedad, pero invisible del todo no lo fue.

En el verano del 1979 ocurrió un acontecimiento, que bajo mi punto de vista, refuerza la idea de que la música disco fue un símbolo relacionado con la revolución ideológica de los 60/70, que en el libro “momentos clave 100 años de música” lo denominó “La noche en que la música ardió en la hoguera”. Por aquellos tiempos, en EEUU, la música disco era menospreciada no solo por su simplicidad respecto a otros géneros musicales, un beat 4/4 con una base mínima pero a la vez suficiente para los efectos del ritmo y con una instrumentación heredada del funk y soul, sino más bien por el modo en que fusionaba la cultura negra, la homosexualidad y las expresiones minoritarias, incluso se llegó a generar el movimiento anti Disco, con pegatinas con lemas anti música disco y radios refiriéndose al género como no música.

Al acabar la guerra de Vietnam, con una crisis económica cohabitando en el tiempo, el horno no estaba para bollos, y el béisbol era un refugio para el entretenimiento masculino, antítesis de la cultura disco, paranoicos y esquizofrénicos (Deleuze y Guattari). Un jugador de Beisbol, Michael Veeck, se unió a Steve Dahl, un dj de radio, para organizar el “Disco demolition Derby”. Si se acudía al estadio con un álbum de música disco la entrada al partido costaba 0,98 dólares, consiguiendo así el aforo máximo, en el descanso del partido, Dahl apareció en escena para quemar miles de discos, el evento se convirtió en una batalla campal y no hizo más que materializar y hacer evidente el resentimiento general con el género musical. A partir de este momento la música Disco prácticamente desapareció del panorama fusionándose con el género dance.

*Esto me hace relacionar la música disco con el reggaeton y sus posibles analogías, como la dura crítica que ha sufrido este género desde los 2000 con referencias muy parecidas de desprecio, tacharla de género machista, sexista, etc. Hoy día, este género controla el panorama y no hay artista que no ponga un ritmo con la misma cadencia para hacer más atractivas sus canciones, además muchas mujeres usan el reggaeton como forma de expresión feminista y liberadora. Eso sí, descarto un evento como la noche en que la música reggeaton ardió en la hoguera, porque creo que el efecto que causaría sería el contrario.

En mayo del 68, bajo consignas como “prohibido prohibir” y “seamos realistas, pidamos lo imposible” surgía un movimiento innovador y ansiando libertad dentro de un contexto sociopolítico anclado en los valores tradicionales, donde el éxito era considerado tener un trabajo fijo, una familia, una casa y un coche. Los géneros musicales que habían predominado hasta el momento, exceptuando los albores de los 60 eran el folk, el country, el rock de Elvis Presley, el de los Beatles (teenagers), bebop, jazz y R&B música muy poco reivindicativa y romántica. Estos géneros me hacen recordar al concepto árbol, como contraposición al rizoma, dónde hay una predominancia de mantener instrumentos clásicos y contar las mismas historias románticas una y otra vez, y dónde la música disco es digna representación de algo a cortar que crece fuera del sistema.

Los baby boomers nacidos a raíz del fin de la Segunda Guerra Mundial, por aquel entonces eran estudiantes universitarios, y fue allí donde germinó una revolución sin ningún cambio político pero con un sinfín de consecuencias a nivel social. La música chanson (música de cantautores de origen francés), el Rock de Bob Dylan, “Satisfaction” de Rolling Stones, el Soul de Aretha Franklin, contribuyeron, podríamos decir, de un modo rizomático al pensamiento occidental, pues la música no se atribuye a un único orden coherente sino que influye a la personas por otras vías no disciplinarias, entiendo que las conexiones con el pensamiento de los individuos viene dado por todo el contexto y no solo por los clásicas instituciones como la familia, la educación o el trabajo. Aunque la música puede encontrarse en un contexto disciplinario como es la educación, pero la música disco no sería el caso.

Las revueltas del 68 tienen como origen una manifestación en una universidad de la periferia de París pidiendo libertad para que, en horario nocturno, los chicos pudiesen visitar la zona de chicas y las chicas la de chicos, demandando así más libertad, aparentemente libertad sexual en ese momento. Sin embargo, lo que empezó como una petición, que podemos pensar hoy día, carente de transfondo político-filosófico, generó un sentimiento de deber de libertad en la gran mayoría de sectores de la población, cómo la de la clase obrera, que se unieron a las siguientes revueltas secundando el derecho que en ese momento no tenían y pensaban indispensable, el impacto mediático que generó el apoyo de la clase obrera al movimiento fue de la mejor manera que penetró en la población las ganas de cambiar la política actual del momento, se manifestarían contra el capitalismo, el imperialismo, el autoritarismo, el racismo, el machismo, las guerras (Vietnam), el consumismo, la falta de derechos del trabajador, etc. El objetivo de estas revueltas no era la lucha por el poder, sino lanzar al mundo un mensaje de igualdad en la educación, feminismo, ecologismo, libertad sexual, libertad en general y creatividad.

¿Y la música Disco era la cómplice de estos movimientos?

A raíz de las revueltas se generaron actitudes sociales como la autenticidad, el hedonismo, la centralidad del Yo y el impulso libertario. No me atrevo a afirmar que la música Disco representara a todos los movimientos ideológicos que se activaron gracias a las revueltas, no al menos públicamente, pero lo que es una realidad es que el mundo consumía este género musical por encima de otros. La música Disco no solo es un género musical, derivado de otros géneros como el funk o el R&B, si no que fue el generó que se popularizó en las salas de fiestas y discotecas (Studio 54) dónde el objetivo principalmente de los djs cuando ponían la música disco no era otra que prolongar la diversión entre drogas y sexo.

La música Disco representa la esquizofrenia de Deleuze y Guattari versus la paranoia de aquellos que encontraban este género musical como la anti-música y por lo que representaba. En la esquizofrenia se goza del deseo tal y como aparece, y  se acepta abiertamente cualquier valor, fácilmente reconocible en según que ambientes, como las discotecas y salas de fiesta, dónde reina el hedonismo y el impulso libertario priorizando el placer y la libertad de escoger ante la impunidad que te da la noche de fiesta. Por lo tanto, la finalidad de la música disco en el contexto de pensamiento de Deleuze y Guattari no es más que la de poner a disposición de las “máquinas deseantes” un contexto ideal.

La finalidad de la música Disco en su origen no fue, en absoluto, el motor de las revueltas y protestas, más bien fue un subterfugio para minorías de blancos, latinos y negros. Personas desencantadas de una vida rutinaria con empleos mediocres que encontraban en la pista el modo de sentirse diferentes y únicos, como John Travolta en “Saturday Night Fever” (1977), dónde Tony Manero pasaba de un ser un don nadie a rey de la pista.

A medida que nos acercábamos a los 80, las discográficas de grandes figuras de otros estilos musicales, como Rolling Stones, Rod Stewart y Kiss, forzaron sutilmente a que coquetearan  con el sonido disco, que además les reportaron grandes ventas y exposición en radios. Ayudaron a diluir lo que representaba la música disco y esta comienza a desaparecer y fundirse con otros estilos musicales como el dance, techno-pop, electro, house, etc.

            Recuperando la analogía del reggeaton y la música disco, me gustaría finalizar con una reflexión entorno a este estilo musical, apenas nos acordaremos, pero también sufrió duras críticas como letras simplonas, mensajes sexistas, machismo, etc. Aún habiendo un claro movimiento anti reggeaton este genero irrumpió en las discotecas, las radios y artistas consagrados. Las redes sociales inundan nuestros feeds con cortes de canciones del género en cuestión, dónde la gente, no satisfecha con compartir información privada, aprovechan para liberarse y reivindicar el poder feminista mediante la sexualización. Honestamente, desconozco cuál ha sido el acontecimiento que activa de modo masivo este comportamiento. Pero,  ¿el reggaeton forma parte del movimiento feminista? ¿Es posible que un estilo musical mayoritariamente etiquetado como machista se convierta en vehículo de un movimiento feminista? ¿El reggeaton forma parte de lo que Foucault denomina “episteme”? Conjunto de las ideas que cambian según la época en la que las personas las elaboran.

Nada más que finalizar con la convicción de que la música forma parte, de un modo rizomático, del pensamiento y conocimiento de la sociedad y que afortunadamente es difícil de controlar por esa simbiosis que existe entre la necesidad de público y la necesidad del artista.

One of the most important Tools to designing wearable technologies. Principios de funcionamiento.


Con todos ustedes la máquina de coser! WEAR-able! Razón suficiente para tener unas mínimas nociones de cómo funciona esta herramienta, siempre y cuando te dediques a los wearables o quieras hacerte alguna prenda.

Máquina de coser

El objetivo de este post, con un lenguaje muy llano-masculino, es que te pongas delante de una máquina de coser, si no lo has hecho antes, y poder hacerla funcionar, dando tus primeras pasadas a cualquier tejido. Esto te ayudará a poder crear alguna integración en textil con más facilidad, como mínimo en la fase de prototipo o hacerte una camisa si le coges mucha afición!

La mayoría de las máquinas de coser funcionan del mismo modo, más o menos. Y todas son muy parecidas. En la imagen anterior falta que salga el acelerador y una rueda que está situada en la parte derecha (es para mover la aguja manualmente sin acelerador), disculpadme! Pero no va hacer falta, porque voy a ser súper descriptivo! 😉

Lo primero! Si está enhebrada, pedirle al responsable de la máquina (en mi casa es mi madre) que le quite el hilo, lo mejor es que lo hagas tu desde el principio y de esto es de lo que va este post. Y si te compras una, por cierto, no son muy caras, para el uso que se le pueden dar, pues perfecto, ya te puedes sentar delante (una vez montada), ya sea, en tu casa o en el taller.

El canillero y la canilla:

La canilla es la pieza de plástico que va dentro del canillero, de ahí el nombre. Y se ha de “cargar” de hilo, este hilo se combinará con el que vendrá de la aguja formando la costura.

El modo de cargarlo es sencillo, en la máquina existen 2 circuitos para pasar el hilo (véase a continuación). Uno que va hacia la aguja y otro que va hacia el cargador de la canilla, este último es más sencillo y directo.

Circuitos de máquina de coser

Primero recorremos con el hilo el circuito de carga de canilla. Con la canilla en la mano, lo podéis ver en la siguiente imagen,pasamos el hilo de dentro hacia fuera por uno de los agujeros de la canilla, le damos unas primeras vueltas con cierta tensión, para que la máquina sea capaz de cargarla (si no le damos esa primera tensión el hilo resbalaría en la canilla y no se cargaría) y lo colocamos en el “carga canilla”. Se desplaza el poste de la canilla hacia la derecha hasta que suena un “click”, y ya estaría preparado para darle al acelerador del pié. De este modo se cargaría la canilla como podéis ver en la siguiente imagen.

La canilla y el canillero

Una vez cargada la canilla, cortaríamos el hilo y nos dispondríamos a colocarla en el canillero, como se muestra en la imagen. Pintado de amarillo se aprecia por dónde debería ir el hilo sobrante después de cortarlo, es un “mini-circuito” que ha que seguir el hilo. A continuación se colocaría en la máquina.

El canillero de la máquina de coser

Enhebrar la máquina:

Ahora pasaríamos a enhebrar la máquina, para ello, el circuito lo suele marcar la máquina con marcas, en el caso de este modelo se aprecian unos números y flechas en la primera foto con zoom quizás se aprecien. Tened en cuenta que el hilo va de derecha a izquierda hasta llegar a la aguja, siempre. Una vez lleguemos a la aguja, pasaremos el hilo por el agujero de la aguja hacia delante y pasaremos el hilo por debajo de las patas. Cómo se aprecia en la foto siguiente.

Una vez está enhebrado hay que subir el hilo de la canilla hacia arriba. El modo para subirlo se hace usando la ruleta que hay a la derecha, os hablé de ella al inicio, haciéndola girar hacia nosotros de manera decidida (esto es importante, no lo hagas suave), haciendo una única puntada, aparecerá por arte de magia el hilo de abajo y ya tendremos la máquina a punto de coser. Hay que dejar una distancia de unos 10 cm de hilo suelto antes de empezar a coser.

los 10 de la máquina de coser


El salpicadero:

Estamos a un solo paso para poner el tejido en la máquina y pisar el acelerador, pero antes, ¿Qué son esos números y ruletas?

image

  1. Tensión del hilo. Habitualmente se pone al 4. Lo ideal, para poder apreciar y entender que significa “tensión del hilo” practicar y hacer pruebas.
  2. Tipo o dibujo de costura. Con la segunda “ruleta” seleccionas que “dibujo” hará la costura, las últimas suelen ser más decorativas y para que se pueda apreciar mejor el dibujo de estas, se suele poner distancias más pequeñas, sino quedaría el dibujo diluido y no tendría sentido la puntada o dibujo.
  3. Distancia entre puntadas. Es la separación en mm entre punzadas de la aguja en el tejido.

Os pongo una imagen de un tejido cosido, dónde se aprecian todos los tipos de costuras, jugando con la distancias de las puntadas, etc. Así ayudará a entender los conceptos un poco más.

Tipos de costura

Para acabar he de explicaros que en la máquina hay una palanca, que es la que levanta las patas para colocar el tejido, bajadla suavemente, no de golpe, cuando tenemos el tejido colocado. Los dientes que se ven en la base son los que estirarán del tejido, así que vosotros no debéis forzar el tejido para ninguna dirección, si no más bien dirigirlo.

Tips rápidos, si queréis colaborar con más tips estaré encantado de ir editando el post con vuestras sugerencias a modo de comentarios:

  • El acelerador funciona como el de un coche, literalmente, si lo aprietas hasta el fondo va muy rápido, si lo aprietas suave, va más lento.
  • Rematar: Es asegurar que no se va a descoser ningún extremo de lo cosido. Por eso, hay que hacerlo al inicio y al final de cada cosida. Se hace con el botón de “revers” (cose en sentido contrario) -¿Botón de revers? Todas las máquinas lo tienen y está situado en el frente, en la primera foto se ve, es el botón enmarcado y con el texto “next 30”, apretando el botón cosa hacia atrás.- Pues rematar es tan simple cómo ir para adelante y para atrás varias veces (cómo 5mm). En la foto se ve algún y remate y alguna línea sin rematar.
  • Para cambiar de dirección, hacer ziga-zagas por ejemplo, se hace levantando las patas y con la aguja penetrando el tejido y se gira. Si se hace con la aguja arriba, se quedaría suelto y acabaría descosido, por no tener remate.
  • Las patas, saber que hay diferentes tipos de patas y que estas son intercambiables, para según que cosas coser, hay para botones, ojales, etc.
  • Si apretando el acelerador para cargar la canilla, por ejemplo, no funcionara, comprobar que el cable está enchufado a la red y que interruptor principal de la máquina esté en ON.
  • Hay que acostumbrarse a mover la ruleta de la derecha, el cosido manual, hacia nosotros que es lo mismo que coser hacia delante.

Y hasta aquí los principios básicos de una de las más importantes herramientas para diseñar wearables. Yo no se hacer camisas, pero con estas nociones me atrevo a coser un “case” a un tejido. ¿Y tu?

Los 7 pasos para la conceptualizción e ideación de dispositivos IOT / Wearables integrados en servicios, una guía humilde. (Introducción).

Después de un tiempo, “demasiao largo”, os traigo por fin un nuevo post. Tengo otros muchos en la recámara pensados, otros medio escritos y otros que forman parte de otros demasiado grandes. Al fin, he decidido hacer pequeñas entregas de lo que en realidad forman parte de un documento mucho mayor. Y cuándo haga todas las entregas los uniré formando así la guía definitiva en un solo documento para su descarga. Me reservo el derecho de ir editando posts ya publicados de esta guía si encuentro mejoras.Paso a paso

La guía va a permitir idear y/o conceptualizar, en cualquier tipo de servicio, la integración de dispositivos wearables e IOT para la mejora de la experiencia de usuario durante el servicio. Poniendo como centro de toda la ideación al usuario y no la tecnología. He adaptado técnicas y metodologías creativas e innovadoras para dicho efecto.Esta es una guía con una metodología que aspira a dar con resultados garantizados, por eso, no es corta y no es recomendable hacer todo de una sola sesión, sino varias. Además, lo normal y con mucha probabilidad haya que volver a pasos anteriores para considerar otras opciones, seguir incrementando y mejorar conceptos. Y como es sabido, en la cantidad se encuentra la mejor idea.

Siguiendo los pasos encontraremos ideas para mejorar nuestros servivcios y/o modelos de negocio, incluso sin la necesidad de introducir en el serivicio ningún dipositivo. Es una tendencia (IOT y wearables) pero ,desde mi punto de vista, no es necesario obligar a pasar todo servico por estas tecnologías si verdaderamente no aporta valor.

¿Porqué wearables e IOTs? Imagino que los lectores de este blog, y de este post en concreto, ya conocen que son este tipo de dispositivos y de qué magnitud es la proliferación de estas tecnologías. Así que ahorraré unas cuantas lineas. Igualmente, cualquier tipo de duda será resuelta, ya sea, a modo de comentarios en el post o con un mensaje directo.

La guía ha sido ideada para desarrollarla con grupos de trabajo multidisciplinares, pero también se puede utilizar de manera individual teniendo en cuenta las particularidades entre los dos modos de ideación, intentaré dar apuntes para los dos tipos de ideación. Además sin la necesidad de ningún conocimiento técnico específico. Durante la guía explicaré los conceptos más técnicos desde un punto de vista muy básico y entendible. Ya que lo que se pretende es, que cualquier tipo de perfil sea capaz de idear un concepto, si la intención fuera desarrollarlo entraríamos en otra parte del proceso, el desarrollo de producto o dispositivo y no es el objeto de esta guía.   Ya que llevarlo al desarrollo y producción es necesario y obliglatorio perfiles técnicos para la definición de especificaciones y tecnologías a usar.

Para muchos de vosotros, que ya conoceis metodologías de diseño y conceptualización de dipositivos y/o modelos de negocio, con los siguientes pasos que voy a definir, lo más probable que os baste para hacer vuestra propia versión. Y para aquellos que no lo están, escribiré un post para cada paso explicando de la mejor manera las metodologías y evidentemente abierto a que preguntéis si surge cualquier tipo de duda.

Si no os queréis perder ningún paso, podéis seguir mi blog (el botoncito que hay abajo a la derecha) y/o twitter! Ya que iré subiendo los pasos a medida que estén completos y lo bastante claros para que los podáis aplicar con facilidad.

Son 7 escenarios o niveles dónde se persigue un objetivo en cada uno ellos para alcanzar el concepto deseado.

  • Identificación del usuario. En esta pantalla buscaremos que tipo de perfil de nuestro tarjet, ya sean clientes habituales si el servicio ya está en marcha, o futuros clientes si el servicio es nuevo, van a adoptar con más probabilidad la nueva tecnología y se convertirán en prescriptores de las mejoras que implica la nueva tecnología.
  • Cómo funiona ahora y dónde mejorar. En esta fase se generará un mapa dónde se describirá el transcurso del cliente durante el servicio, valoraremos la experiencia y encontraremos puntos interesantes dónde mejorar el servicio.
  • Mejorando el servicio. Una vez identificados los puntos dónde debemos hacer cambios para mejorar la experiencia. Se generarán la mayor cantidad de ideas posibles para mejorar la experiencia en los puntos marcados. Y aquí nos daremos cuenta en que nos puede ayudar otros dispositivos, o quizás, simplemente un nuevo enfoque sin la necesidad de ellos.
  • Convergencia. Es el momento de priorizar aquellas ideas que más valor pueden aportar a corto plazo.
  • Inventa la máquina. En este punto, dibujaremos nuestro dispositivo, el que mejorará sustancialmente nuestro servicio.
  • Cómo funciona el servicio con la máquina. En este punto comenzaremos a acotar aún más las características de nuestro servicio y de que modo ayuda las tecnologías iot o wearables a nuestro servicio. Si ha bajado el servicio en otros puntos debido a la utilización del dispositivo lo podremos preveer, generaremos nuevas ideas, y modificaremos carácterísticas del dispositivo para que eso no ocurra, si hace falta.
  • Briefing del concepto del dispositivo. Aquí habremos llegado al final del proceso y tendremos en nuestro poder la definición de uno o varios dispositivos wearables o iot, centrados en el usuario que mejorarán nuestros servicios.

Los siguientes pasos pasarían por enfocarlo para su prototipaje (prototipaje rápido, hay multitud de plataformas que te lo permite), pruebas con clientes, MVP, etc. Pero esta guía no ataca a esta parte del proceso, pero me encantará desarrollaros en algún momento en otro post. Podéis encontrar post relacionados con las siguientes fases en este mismo blog como, el prototipo como pieza importante del puzzle innovación,  identifica tu presa-sesión creativa para identificar y analizar tu cliente potenciallos 5 ingredientes para hacer un wearable al punto de sal. Próximamente Paso 1. Quédense atentos para la próxima entrega!